アンドリュー・ワイエスをもっと知るための6つのキーワード
アンドリュー・ワイエス（1917〜2009）の没後、日本初となる回顧展「東京都美術館開館100周年記念 アンドリュー・ワイエス展」が4月28日～7月5日に開催される。豊田市美術館（7月18日～9月23日）、あべのハルカス美術館（10月3日～12月6日）にも巡回が予定されている本展を機に、ワイエスをもっと知るためのキーワードを専門家に教えてもらいました。※4月26日24時まで、すべての方に全文お読みいただけます。
KEYWORD 1：父と息子
向き合い、乗り越えるべき存在
ワイエスの父・N.C.ワイエスは、『宝島』『ロビンソン・クルーソー』などの挿絵で成功を収めた、20世紀初頭のアメリカン・イラストレーションを代表する画家だった。アンドリューは、N.C.の5番目の子供で末っ子。2人の姉は画家、兄は化学者、もう1人の姉は作曲家になった。
アンドリューは小さい頃から虚弱で学校に通えず、家庭教師に学ぶ。絵画については、姉2人と異なり英才教育を受けたわけではなく、父は息子をしばらく見守り、本格的な絵画の指導をするようになるのは15歳頃だった。決して早くはないが、それでもほどなくワイエスは画家としての才能を開花させていく。しかし同時に父との違いを感じ始め、愛憎半ばする父と息子の葛藤を抱えるようになっていった。そして23歳でベッツィ・マール・ジェイムスと結婚する。父から反対されていたこの結婚も、自立へのひとつのステップだったといえるかもしれない。
しかし1945年、不慮の交通事故によって突然父が亡くなる。ワイエスは28歳だった。家父長としての父、芸術の師としての父、ワイエスにとって精神的な支柱であり、支配的な位置にあった父を乗り越える間もなく急に失い、大きな衝撃を受ける。世界のはかなさ、物事の循環と移ろい。この時得た死生観は、「オルソン・シリーズ」「カーナー・シリーズ」などその後のワイエスの作品に成熟をもたらすことになる。長い時間をかけ、息子ワイエスは、不在となった父と向き合い、父を乗り越え、自らの芸術の道を切り拓いていった。（荒木）
KEYWORD 2：テンペラ
写実を超えた作品を生み出すために
ワイエスは3つの技法、鉛筆、水彩、テンペラを使い分けている。着想や発見を素早く描き留める鉛筆素描。同じく即興的で感情的だが、色彩の表情が加わり、空気感や温度、音などをより自由で伸びやかに表現できる水彩。水彩でも、筆の先の水分を指先で搾り、わずかに残った絵具の線によって、まるで織物を織り上げるように描いていくドライブラッシュ。そしてテンペラ。
テンペラの歴史は古代エジプトまで遡るといわれ、油彩より古い。1930年代後半、ワイエスは姉の夫で画家のピーター・ハードからこの技法を学んだ。多くの画家が油彩を使うなか、油絵具の艶のあるこってりとした質感が肌に合わず、ワイエスはテンペラのマットな表面の仕上がりと、落ち着いた色彩を好んだ。
卵の黄身と水と顔料を混ぜて作つくるテンペラ絵具には速乾性があり、いったん乾けば油彩よりも堅牢な画面となる。しかし油彩のように早く描くことができず、素描や水彩の瞬発力を必要とする技法と異なり、少しずつ塗り重ねていかねばならない。だが逆に時間をかけ、思索を深めながら取り組むことができる技法でもある。自ずと要求される対象とのそうした向き合い方は、鉛筆素描や水彩とは異なった、緻密でリアルでありながら、写実を超えた作品を生み出すことを可能にした。
ワイエスの場合、素描、水彩が下絵でテンペラが完成作と分類できるわけではない。表現したい内容に応じて、鉛筆、水彩、ドライブラッシュ、テンペラという技法がそれぞれ選び取られている。（荒木）
KEYWORD 3：アメリカン・リアリズム」
ナショナル・アイデンティティとしてのワイエス
アメリカの具象絵画には、ヨーロッパとは異なる固有の流れがある。19世紀のハドソン・リヴァー派が大陸の自然を崇高の対象として描き、ウィンスロー・ホーマーやトーマス・イーキンズが日常の人間と風景を鋭い観察眼で捉えた。その流れは20世紀のリージョナリズム（地域主義・地方主義）のグラント・ウッドやトーマス・ハート・ベントンらによる農村礼賛へと続いていく。ワイエスはこの系譜に位置付けられながらも、そこから独自の場所へと踏み出した画家だった。
同時代の画家であり、都市の孤独と硬質な光でアメリカの疎外感を描いたホッパーに対して、ワイエスは農村の静寂と時間の積み重なりを見つめた。《冬の野》（1942）における枯れ草の繊維、《スウィープ》（1967）の積み上げられた石垣とその向こうに見える稜線には、土地そのものの有機的な密度がある。
広大な自然、開拓の記憶といった価値観は、アメリカのナショナルアイデンティティを支えてきた。ただし彼がほかのリージョナリストと一線を画すのは、祝祭的な雄大さを排し、衰退や孤立のなかにある個の姿を描き続けた点にある。
そしてワイエスが繰り返し描いた窓や扉は、ルネサンス期のアルベルティ以来西洋絵画が想定してきた「開かれた窓」——観者の視線を世界へと透過させる装置——とは逆の力学を持つ。向こう側への通過を宙吊りにし、見ることそのものを問い返す境界として機能している。この一点にも、アメリカ具象絵画の系譜のなかでワイエスが占める場所の独自性が、端的に表れている。（小塚）
